Pepón Osorio traspasa los límites del arte público

Jun 29, 2023

El artista puertorriqueño enfatiza la comunidad en instalaciones elaboradas a partir de objetos cotidianos

Mayra Santos-Febres

Las instalaciones multimedia a gran escala del artista puertorriqueño Pepón Osorio lo han catapultado a los niveles más altos del mundo del arte. Pero sus inicios fueron modestos. Nacido en el seno de una familia afrodescendiente de clase media en 1955, comenzó a hacer arte desde niño en el barrio San Juan de Santurce, donde dibujaba constantemente y construía piezas sencillas con objetos encontrados.

Como muchos creativos afrolatinos, el joven Osorio no podía imaginarse a sí mismo como un artista en el sentido tradicional, en gran parte debido a la abrumadora blancura de la industria del arte. Sintió el llamado de ayudar a su comunidad, por lo que en 1973 se matriculó en la Universidad Interamericana de Puerto Rico.

Dos años más tarde, en 1975, Osorio emigró al sur del Bronx en la ciudad de Nueva York y se matriculó en el Herbert H. Lehman College, donde se especializó en sociología. Recibió una maestría en esa misma materia de la Universidad de Columbia en 1985, mientras trabajaba como trabajador social en el Bronx. Inicialmente, Osorio practicó el arte paralelamente a su labor social. Pero finalmente se desilusionó con el campo y decidió centrarse en el arte a tiempo completo.

Las experiencias de Osorio como trabajador social ejercieron una profunda influencia en su arte, y desde entonces sus proyectos han interactuado con las comunidades latinas y afrolatinas. “Mi principal compromiso como artista es devolver el arte a la comunidad”, ha dicho el artista.

“Mi experiencia como asistente social se convirtió en mi práctica artística. Todo lo que aprendí se convirtió en mi metodología: hacer obras de arte reales con experiencias y personas reales”. — Pepón Osorio pic.twitter.com/5teIyKuP8I

Osorio es mejor conocido por sus instalaciones grandes y audaces, como No Crying Allowed in the Barbershop, una obra de 1994 sobre la masculinidad y vulnerabilidad latinas. La instalación hace referencia a la visita del artista a una barbería cuando tenía 5 años. “Lo que iba a ser una celebración se convirtió en un acontecimiento desastroso” porque el barbero no estaba acostumbrado a trabajar con el pelo rizado, recordó Osorio en un episodio de 2001 de la serie de televisión “Arte en el Siglo XXI”. Añadió que la experiencia representó “una combinación de raza y rito de iniciación para convertirse en un hombre pequeño, y… ambos se unieron simultáneamente”.

Otra pieza de gran escala, Las Twines, una instalación de 1998 cuyo nombre en jerga significa “Niñas Gemelas” en español, presentaba dos maniquíes, uno blanco y otro negro, que representaban la dualidad de la experiencia afrolatina. El Museo Smithsonian de Arte Americano (SAAM) en Washington, DC adquirió la obra de técnica mixta el año pasado.

A lo largo de su carrera, Osorio ha desarrollado una forma de arte participativo en el que una comunidad determinada se involucra, tanto material como conceptualmente, en el proceso artístico. Desde el principio, involucra a los lugareños en conversaciones sobre los problemas que quieren abordar y trabaja para seleccionar materiales que sean significativos para la comunidad. La experiencia de Osorio de practicar el arte con la comunidad lo llevó a ver el trabajo de instalación como la forma más plena de honrar sus raíces. “La única forma en que puedo conectarme es haciendo trabajos de instalación”, dijo en el episodio de 2001, “porque [sentí] que necesitaba decir algo que tenía que estar más allá de algo en la pared. … Necesito crear un espacio que sea abrumador”.

“Mi principal compromiso como artista es devolver el arte a la comunidad” —#CTSummit presentador Pepón Osorio pic.twitter.com/gEG6b6L0FG

En 1988, Osorio creó lo que puede ser su obra emblemática: El Candelabro, un candelabro de cristal decorado con muñecos, palmeras de plástico, helechos tropicales, dominós y perlas, así como esculturas de santos y coquís (una rana arbórea de la selva tropical nativa de Puerto rico). Parte de la colección de SAAM desde 1995, rinde homenaje a las raíces del artista y su concepción afrolatina de la belleza, la espiritualidad y la cultura. Como señala el museo, “La ilusión de abundancia enmascara las realidades de la vida en las comunidades urbanas pobres. Osorio vio este tipo de estética de hacer algo maravilloso a partir de la nada en los apartamentos que visitaba cuando trabajaba como trabajador social”.

La cuidadosa elección de materiales de Osorio en El Candelabro cuenta una historia de anhelo y pérdida, de las luchas y exclusiones experimentadas por la comunidad afrolatina. Dentro de las limitaciones de la pobreza, sugiere, la belleza proviene de la realidad de los materiales disponibles, rescatados de la producción en masa y del uso diario, y elevados a un plano conceptual. La obra de arte también evoca la conexión de los afrolatinos con la naturaleza, una conexión que muchos inmigrantes deben dejar atrás cuando emigran a otras tierras.

Con su mezcla de kitsch americano, imágenes naturales puertorriqueñas y objetos cotidianos, El Candelabro establece un diálogo entre lo que diferentes culturas consideran arte y sirve como una vívida encarnación de la filosofía artística de Osorio.

La obra del artista está profundamente arraigada en el Bronx, donde suele instalar exposiciones informales en calles, tiendas y lugares públicos. De esta manera, evoca la belleza en lugares donde la belleza debe competir con la pobreza y la marginación social. Osorio insiste en hacer que el arte sea público y accesible para todos: “Mi arte es para la gente que va a los museos y para la gente que no va a los museos”, dijo al New York Times en 1999. “Es una vieja noción que la gente va al Museo. Realmente debería ser el museo dirigido a la gente”.

También en 1999, la Fundación MacArthur otorgó a Osorio una de sus becas “genio”. Aunque su reputación ahora es global (ha expuesto en el Museo Reina Sofía de Madrid, el Museo Alejandro Otero en Venezuela y el Centro de Arte Contemporáneo de Katmandú en Nepal, entre otras instituciones), también sigue profundamente comprometido con las comunidades más cercanas a casa. Hoy divide su tiempo entre San Juan y Filadelfia.

Para el proyecto en curso Convalecencia, Osorio consultó a pacientes con cáncer, socorristas y curanderos, creando una instalación de tres partes que ofrece comentarios poderosos sobre la enfermedad y la industria médica con fines de lucro. La obra se puede ver ahora en una importante exposición de las obras de Osorio: “My Beating Heart/Mi corazón latiente” en el New Museum de la ciudad de Nueva York.

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Mayra Santos-Febres | LEER MÁS

Maya Santos-Febres es una novelista, poeta, ensayista y escritora de cuentos puertorriqueña.